quarta-feira, 30 de setembro de 2009

Por exemplo: estão exibindo aqui no auditório ao lado de onde trabalho O Anticristo. Consigo escutar todo o filme.

Não assisto sob hipótese alguma um filme com esse desenho de som, que é uma coisa que beira o medieval. É atroz, é estúpido, é primário, é Von Trier.

Melhor coisa pra se fazer num dia de sol como este?

Escutar os filmes.

Da cozinha, da sala de computador, pouco importa - para cada filme haverá uma distância ideal de onde escutá-lo, e a graça está justamente em encontrar esse lugar, essa distância.

The Naked and the Dead e Lo zoo di vetro do Cottafavi são quase tão bonitos apenas escutados quanto o são quando vistos e escutados.

Alguns filmes - alguns do Rivette, por exemplo, alguns Newman, Eugène Green, Whirlpool - parecem ainda mais bonitos quando só escutados.

Eis um verdadeiro traço de modernidade cinematográfica.

Serge Bozon sobre o último Rivette.

Um filme com um título como esse aí do Karim Ainouz e do Marcelo Gomes não tem como ser bom.

Memórias de um Homem Invisível - o mais perto que Hitchcock chegou de Blake Edwards (não incluindo aí A Shot in the Dark, porque esse filme é do Edwards).

terça-feira, 29 de setembro de 2009

domingo, 27 de setembro de 2009

Singularidades de uma Rapariga Loira no e-mule (agora vai).

I giganti della Tessaglia, Riccardo Freda, 1960.

Cyrano et d'Artagnan, Abel Gance, 1964.

quarta-feira, 23 de setembro de 2009

Foda-se "a imagem". Cineasta digno desse nome trabalha com plano.

Auto-promoção pouca é bobagem. Depois tem gente que ainda tem o atrevimento de se ofender quando dizem, e com razão, que a publicidade venceu. Tem aqueles que debocham também, mas esses são indignos de consideração.

Mesmo assim, esse maldito jargonismo acadêmico permanece de longe o pior traço dessa ainda tão "jovem" (= decrépita) crítica brasileira.

terça-feira, 22 de setembro de 2009

Bref. Je ne fais pas la différence entre perso et pas perso, je pense que le goût est une donnée objective, la seule objective possible.

Pierre Léon

domingo, 20 de setembro de 2009

sábado, 19 de setembro de 2009

quinta-feira, 17 de setembro de 2009

Novo filme do Jonathan Mostow mês que vem.

segunda-feira, 14 de setembro de 2009

The Last Temptation of the First Rambo

Once it has become impossible to separate a film from the mass phenomenon it has become, once its celluloid hero has become an all purpose emblem, there are advantages to seeing it again on television namely that the small screen hails it for no more than it is. Rid of its aura, it becomes once more what it started out as: sounds and images among other sounds and images. It can happen even that the film loses nothing in this modest recycling.

Under the impact of the recent offspring, Rambos II and III, we can still keep enough wits about us to find again in Rambo I (director Ted Kotcheff) its initial qualities. How did John Rambo, the Vietnam hero, become a maddened beast, the films asks. How did Rambo, the film, degenerate into sillier and sillier sequels, is to ask the same question. How does it come about that it’s probably no longer possible to have any following through of ideas is yet again the same question, asked this time of cinema as a whole. It applies both to Rambo and Rocky, that’s to say to Stallone, who went from great to grotesque in each of them. These days, moneyspinners get sold down the line at the first opportunity. Before being a vengeful brute, Rambo was a hunted animal legitimately on the defensive. Rambo in fact doesn’t exist and if he starts out so sweet and sensitive it’s because at the time (1983) America hadn’t yet made its peace with its war and Jane Fonda hadn’t yet made her apologies to the veterans. When America had finished with its Vietnam mourning, Rambo gained in biceps what he had definitely lost in neurons. The series has no inherent logic: it’s an opinion poll in progress.

This doesn’t stop the telly-vision of the first Rambo from being one of the nicest things. Everything is clear in this film with its qualities of primitive American cinema, with the action set at the centre of the picture and the motivations at the centre of the dialogue. Everything is clear because the only not-so-clear thing (the still recent Vietnam war) is only mentioned at the end of the film, when the weeping Rambo is about to give himself up. In the meantime, everything that happens takes the form of a trauma, as conveyed by the over-disparaged ‘acting’ of the actor Sylvester Stallone.

Rambo isn’t just a film about someone who has almost lost the power of speech, it is fundamentally a silent film. Silent about all the big questions whose formulations it delays to the utmost. Silent about buried causes and final outcomes, silent in the face of violence and nature. We should be grateful to Stallone for this film’s reinvention of an acting style where the face is as wide-eyed and expressive as a semaphor. This makes him like the actors in the early westerns, dumbstruck, startled and twitching at the slightest thing in the midst of hostile nature.

If Rambo were a western, Rambo would be an Indian. Not the vanquished Indian of De Mille’s films but the angry Indian who has returned to challenge his former conquerors now conquered by Vietnam. This western section is the best part of the film, and the most significant. Rambo has no need of a script because Rambo is its script, its memory that is. The recent memory of the Vietnam trauma, the ancient memory of the Indian genocide, quite simply the memory of the American people insofar as they are not too forget that they too are a warrior people. It is when they encounter Rambo (a shade roughly) that the forces of order of a small American town learn how to fight again, thanks to the war which he tells them is his alone. This is Rambo’s sacrifice, this is his Christ-like dimension. The suffering for him, the consciousness-raising for others. In this sense Rambo is a true Christ and his last temptation’ (that of only being a man like other men) coincides with the ‘first blood’ (his blood, shed at the start out of sheer malice). Now there’s someone who at least can save the world, instead of enduring the snobbish torments of contemporary individualism, like his future little brother out of Scorsese.

This is the real reason why so many have identified with his masochistic bodybuilding physique. All those for whom individualism is still a luxury recognise themselves in redeeming heroes, and they are never too particular about the ultimate nature of what is redeemed. For these earnest heroes who make them laugh redeem them from one thing at least: boredom.

Serge Daney

28 October 1988

domingo, 13 de setembro de 2009

O Nuno de Bragança costumava citar um escritor (curioso, não me lembro qual) que dava por conselho aos jovens romancistas nunca escreverem sobre acontecimentos recentes. «Deixem passar pelo menos vinte anos sobre a história "fundamental" que vos aconteceu. Só nessa altura saberão se ela foi mesmo fundamental e – mais importante – só nessa altura ela se poderá tornar fundamental para outros.»

sábado, 12 de setembro de 2009

sexta-feira, 11 de setembro de 2009

gente grande, gente pequena

Tem gente que parece ter mais curiosidade em conhecer a história dos festivais de cinema que a do cinema.

quinta-feira, 10 de setembro de 2009

Mais para "Semana dos Ressentidos".

Quand il réalise Parole et utopie, à l'aube du XXIe siècle, autour de la figure du P. António Vieira, prédicateur jésuite du XVIIe siècle, c'est le film le plus contemporain et le plus violemment politique de toute sa carrière qu'Oliveira nous offre. Penseur chrétien à l'esprit libre, luttant jusqu'au seuil de la mort contre le dogmatisme de l'Eglise romaine et le fanatisme dévot à l'origine de tant de persécutions, António Vieira incarne avant l'heure une vision géopolitique de l'Amérique latine faisant des différentes réunions du G7 d'aujourd'hui où les chefs d'état réfléchissent sur la misère et l'avenir du monde, une suite de fanfaronnades vides de sens.

Manoel de Oliveira est l'auteur d'une réflexion inoubliable: "Ce que j'aime au cinéma: une saturation de signes magnifiques qui baignent dans leur absence d'explication". Tout cinéaste conscient peut méditer à l'infini cette vérité-là qui est le contraire d'une formule. On passe sa vie entière à construire des guets-apens qui ressemblent à des films pour s'approcher parfois de cette saturation magnifique. Ce que nous savons aussi avant les autres, car nous sommes notre tribunal suprême, c'est le nombre d'impasses, d'embûches, d'échecs rencontrés sur le chemin qui mène à cette grâce-là. Chaque fois qu'il compose un plan ou construit une séquence, Oliveira lui-même sait mieux que quiconque, et avant tout le monde, que la grâce n'est pas toujours au rendez-vous. Il n'empêche... faire apparaître les choses dans leur force d'inquiétude et d'énigme sera toujours une des conquêtes majeures du maître portugais.

terça-feira, 8 de setembro de 2009

Microfilms: Jean-Claude Biette

Microfilms: Jean-Marie Straub

Oliveira

C’est pour ça que ce que raconte l’homme n’est pas un flash-back, ça n’a rien à voir avec le cinéma — c’est un tour littéraire, que Buñuel utilisait avec beaucoup de joie, un tour du XIXe, le siècle du cinéma, qui consiste à prêter une bêche à un quelconque narrateur pour qu’il ouvre une faille où s’engouffrent personnages et lecteurs. Une façon de reculer la mort, bien sûr, on le sait depuis Shéhérazade. C’est une manière de creuser, de racler, pas de reculer, ni de tourner la tête.



« Le naturalisme (l’exactitude dans la description) n’est qu’un moment du travail. Si on ne le dépasse pas, on en vient nécessairement à poser les questions du cinéma en termes publicitaires (c’est-à-dire comme si de rien n’était). C’est malheureusement ce qui se produit de plus en plus. »



« Mais, pour beaucoup de ces personnages, la maîtrise qu’ils recherchent n’est que cela: une hantise; et la hantise veut l’épanchement, quémande ou implore la consolation. La parole, tout en continuant à servir de moyen d’action, sera en plus le dépôt de angoisses secrètes, des obsessions, de l’impuissance des personnages qu’elle exprime à leur insu ou à leur plus grande surprise. Ils deviennent, sans trop bien le comprendre, les médiums d’eux-mêmes. »

Jacques Lourcelles, Place de J.L.M., Présence du Cinéma nº 18, novembro 1963.

He Ran All the Way do John Berry.

En cela, Non, ma fille tu n'iras pas danser confirme la vocation de publicitaire d'Honoré, lequel, sous cet angle, n'a pas moins de talent que, mettons, un Klapisch. Une question alors s'impose : de quoi ce cinéma est-il la réclame ? Quelle est la marque ? Klapisch, par exemple, fait la pub de la jeunesse (et se condamne, donc, à faire un cinéma de vieux). Honoré s'en tient, lui, à faire la pub de sa génération, à la manière dont le font, par exemple, les éditos de la presse féminine, auxquels Non, ma fille tu n'iras pas danser est offert sur un plateau. Chiara Mastroianni y joue une mère divorcée complètement larguée, embarquant ses loupiots dans une retraite improvisée chez ses parents, lesquels ont invité l'ex-mari à son insu. C'est a priori un beau personnage (d'autant que Mastroianni est plutôt bien, comme souvent), mais c'est un personnage qui reste, comme avant elle les lycéens de La Belle personne, à l'état de prototype, une figurine dont Honoré ne semble savoir que faire ni comment la regarder (c'est frappant dans la dernière partie, parisienne, du film, totalement anémique), et qu'il condamne à ballotter dans un canevas sans nerf ni réelle nécessité, soutenu par des dialogues invraisemblablement creux. C'est très mauvais et on pourrait bien décider de s'en foutre, mais il y a quand même quelque chose de franchement déprimant à voir la complaisance avec laquelle sont accueillis ce type de téléfilms bourgeois, et l'horizon ainsi dressé pour le cinéma d'auteur. Quant à Christophe Honoré, on lui conseillera simplement, en cas de nouvelle bouffée de bretonnitude, de réserver son énergie pour les prochaines soldes Armor Lux : ce sera rendre un meilleur service à la Bretagne.

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Realmente há qualquer coisa de francamente deprimente na complacência com que acolhem esses telefilmes burgueses, também chamados de "filmes de festival".

Uma conversa entre Straub e Daney na Microfilms, emissão semanal de rádio onde Daney conversava com algum cineasta. É de 87.

É também absurdamente clarividente, lúcida, profética e precisa.

sábado, 5 de setembro de 2009

sur melville

O impressionante é que Skorecki escreve sobre cinema praticamente uma vez por ano, sobre filmes feitos há mais de 40 anos, e ainda assim quando escreve alguma coisa consegue ser mais pertinente e atual que simplesmente TODA a crítica de cinema que se produz hoje em dia.

quinta-feira, 3 de setembro de 2009

http://www.cahiersducinema.com/site.php3

Nada para se estourar uma champanhe ou fogos de artifício, mas a escolha de Oliveira e Monte Hellman para a capa já demonstra alguma sensatez. Editorial moderado, apesar deles ainda insistirem com a farsa Honoré (por quanto tempo?). Simbólico o retorno de Tesson, impossível não perceber dessa forma. "Cautela" parece ser a palavra de ordem.

quarta-feira, 2 de setembro de 2009

terça-feira, 1 de setembro de 2009

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